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Análisis: Shu

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Hubo una época donde los videojuegos de plataformas reinaron en la industria. Espoleados por el gran éxito de Mario y Sonic, los baluartes de la lucha de los 16 bits, nacieron una gran cantidad de personajes y franquicias que trataron, algunas con su propio estilo y otras imitando, hacerse un hueco en una floreciente y joven industria donde aún muchas ideas y géneros estaban dando sus primeros pasos. Fue la era de los Alex Kidd, Monster Boy, Ristar, Bubsy… Y con la llegada de las 3D el éxito del género se trasladó a nuevos horizontes en franquicias legendarias como Crash Bandicoot, Spyro o Banjo, sin dejar de lado pequeños retazos de 2D con el nacimiento de Rayman, una franquicia que será muy importante para el juego que aquí nos ocupa.

Ese éxito de los juegos de plataformas se prolongaría aún en los 128 bits, aunque su variante 2D quedaba cada vez más relegada a los portátiles. Y en la generación de PS3 y 360 vino el ocaso, la “muerte” de lo que significó el núcleo de la infancia de muchos. Ya fuese por unos motivos u otros (saturación, falta de ideas o viabilidad comercial…) esta clase de juegos declinaron hasta casi desaparecer, dejando un vacío que, en lo personal, me desencantó bastante acerca de la industria, al haber cercenado brutalmente uno de los géneros puntales para mi diversión. Sin embargo, ante la polarización de la industria general y la sequía de ideas, irrumpió (mayormente gracias a Braid de Jonathan Blow, aunque no fue el único) la escena indie como uno de los principales medios para llevar el timón creativo en la nueva industria.

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Análisis: Anima Gate of Memories

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Anima Gate of Memories es un ejemplo de muchas cosas. La primera de ellas, que para crear un videojuego de calidad no es necesario contar con equipos multitudinarios ni con los motores más punteros, sino con una buena visión e ideas de cómo debe ser un Action RPG para ser divertido. Segunda, que si se quiere lanzar una edición física por la que merezca la pena pagar y no sea apenas un disco metido en una caja, se puede. Y tercera, que en nuestro país hay talento en materia de videojuegos, y solo es necesario otorgarle el apoyo económico y la exposición suficiente para que la industria deje de estar considerada en nuestro país como un campo cultural de segunda fila.

Parte de los motivos por los que este videojuego de Anima Project Studio, amparado bajo el sello Badland Indie, presenta una elevada dosis de calidad, es gracias al suelo sobre el que se asienta, uno que lleva desde 2005 ofreciendo a los aficionados al rol inspiración para sus partidas. Estoy hablando de Anima Beyond Fantasy, un universo co-desarrollado por talentos europeos (concretamente de nuestro país) y japoneses, con una ambientación que a mí, personalmente, me recuerda en cierta medida a Vampiro La Mascarada, aunque tiene los suficientes rasgos para ofrecer su propia personalidad como juego de rol de mesa. Concretamente, nos emplaza en el mundo de Gaïa, donde lo sobrenatural se esconde y hay una multitud de razas, seres sobrenaturales y amenazas en la sombra, combatidas por poderes arcanos de toda clase.

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Análisis: Murasaki Baby

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No es desconocido que Sony, además de apostar por experiencias cinematográficas como Uncharted, también guarda un pequeño hueco de su presupuesto para investigar nuevos límites jugables y artísticos. Una tendencia que bien puede tener su origen en la vetusta PS2 con el videojuego Ico, fue en la generación de PS3 donde alcanzó su cénit, ofreciendo propuestas como Rain, Datura, Journey o  The Unfinished Swan que dejaban de lado la complejidad y la dificultad para explorar horizontes nuevos, ya fuese de control o de estética.

Dicha tendencia también tiene continuidad en la generación actual, ya que PS4 ha acogido ya videojuegos como Entwined, que nos cuenta la historia de amor imposible de un pez y un pájaro con una jugabilidad original, el futuro Rime de Tequila Works que tanto se hace de rogar, y otras propuestas de terceros, pero apoyadas por la compañía de forma preferencial, como What Remains of Edin Fitch, Abzu, Submerged, Everybody goes to the Rapture o el recientemente publicado Wander.

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Análisis: Entwined

La generación que nos ha dejado ha sido testigo de múltiples cambios, tanto en la forma de entender como de diseñar los videojuegos, abriendo una puerta, inicialmente de forma tímida, a eliminar el prejuicio de que nuestro medio no puede ser arte o, al menos, ser capaz de trasmitir algo más que tomar el control de unas determinadas mecánicas. Esta nueva forma de entender los juegos ha traído el nacimiento de una serie de títulos que yo me atrevería a considerar parte de un nuevo género, algo muy difícil cuando ya todo parece inventado y solo puede perfeccionarse.

Este nuevo género de títulos ya ha pasado en otras ocasiones por el blog, en forma de análisis de obras como el superlativo Journey o el original The Stanley Parable. El denominador común de todos ellos es que renuncian a determinados aspectos que parecen consabidos en un videojuego, como la dificultad o la complejidad jugable, en pos de llegar a aquel que toma los mandos a través del apartado artístico, de transmitir un mensaje a través de un desarrollo simple, pero muy medido, en muchas ocasiones abierto a la interpretación del jugador.

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Análisis: Transistor

En lo sencillo reside lo complejo. Dicha máxima ha sido aplicada con gran acierto al mundo de los videojuegos en infinidad de ocasiones. Con apenas dos posibilidades de control, Super Mario Bros de NES sigue siendo una referencia absoluta en el género de las plataformas. En el momento actual, donde las grandes superproducciones apuestan por tratar de ampliar sus horizontes a costa de, precisamente, perder la sencillez, es muy importante seguir contando con propuestas como Transistor, capaces de aunar en un pequeño producto las señas de identidad que vieron nacer a este mundillo.

Tratar de ofrecer guiones dignos de las series que pueblan la parrilla americana temporada tras temporada, acompañando con un aspecto visual a la vanguardia, termina siempre perjudicando a la jugabilidad. Las facilidades se multiplican, y se ofrecen muchas posibilidades, a priori interesantes, especialmente cuando se lee el análisis de turno, pero luego viciadas y poco aprovechadas en el momento de coger el mando. El dinero está ahora en otros aspectos, y como la rueda sigue girando, ¿por qué cambiarla?

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Análisis: The Stanley Parable

Comienza un nuevo año en el blog, y en esta ocasión lo hará con un juego ciertamente especial. El grueso de mi experiencia como jugador se encuentra especialmente en las consolas, pero en no pocas ocasiones he visitado el PC como plataforma de juego, en busca de experiencias que no se suelen encontrar en otros lugares. Gracias a iniciativas como el Humble Bundle y a la plataforma Steam, he conseguido encontrar bastantes pequeñas experiencias que enriquecen y complementan a lo que disfruto en las consolas.

Y esto me lleva a encontrar The Stanley Parable, en parte por gente en Twitter que contaba auténticas maravillas de él. Decidí que, de una forma u otra, debía merecer la pena jugarlo, y a ello fui. Tras haberlo disfrutado más o menos a fondo en una sesión de juego continuada (ya que realmente no es un producto que requiera estar mucho en el teclado, y sí reflexionando) he reforzado un punto de vista que ya tenía anteriormente, que no es otro que el siguiente: está naciendo un nuevo género de videojuegos, cuando ya, con todo inventado, no parecía posible.

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